Projets sélectionnés

COCONUT EFFECT
Ioanna Paraskevopoulou • GRÈCE

Comment appréhender la matière invisible du son ? À partir d’objets et de micro-mouvements impromptus, Ioanna Paraskevopoulou déploie une nouvelle logique chorégraphique qui redéfinit nos perceptions de l’audible et du visible. Coconut Effect expérimente le potentiel sonore des scènes de films classiques dans une mise en scène ludique orchestrée à trois.

Danseuse basée à Athènes, Ioanna Paraskevopoulou est diplômée de l’École nationale de danse de Grèce et étudie actuellement les arts audiovisuels à l’université. Elle a collaboré, entre autres, avec Iris Karayan, Christos Papadopoulos, Dimitris Papaioannou, Andonis Foniadakis, Patricia Apergi. Son travail explore le mouvement et les médias audiovisuels. Ses projets vidéo ont été présentés à la 8e et 9e édition du festival des nouveaux chorégraphes du Centre culturel Onassis.

CONCEPT & CHORÉGRAPHIE Ioanna Paraskevopoulou
INGÉNIEUR SON Danis Chatzivasilakis
CRÉATION LUMIÈRE Eliza Alexandropoulou
MONTAGE VIDÉO & ACCESSOIRES Ioanna Paraskevopoulou
CONCEPTION PLANCHER BOIS Miltos Athanasiou
AVEC Danis Chatzivasilakis, Georgios Kotsifakis, Ioanna Paraskevopoulou

Commande, production et soutien pour la venue à Paris Onassis Stegi (New Choreographers festival).


TRIBU[T]
Clémence Baubant • FRANCE

Corps réinventés, rythmes scandés, voix libérées : les interprètes, figures solitaires ou à l’unisson, s’emparent de l’espace de jeu entre horde et rituel Vaudou. Avec TRIBU[T], Clémence Baubant imagine une épopée participative qui explore la manifestation du corps collectif et ses métamorphoses.

Nourrie par ses origines caribéennes, Clémence Baubant ancre ses recherches en Guadeloupe. Elle explore la mémoire et l’identité comme lieu de friction et de porosité entre les corps. Sa dé- marche participative et transversale porte sur la métamorphose, le déséquilibre, l’insaisissable. Lauréate du dispositif « Prototype VI » à l’Abbaye de Royaumont, elle est engagée depuis 2019 avec le Laboratoire de recherche LLA-CREATIS de l’université de Toulouse pour son projet de re- cherche pédagogique sur le décloisonnement entre danse et musique.

CHORÉGRAPHIE Clémence Baubant
CRÉATION SONORE Paul Ramage
CRÉATION LUMIÈRE Marion Jouhanneau
PROJET VIDÉO Caroline Dassieu
CHERCHEUSE EHESS ASSOCIÉE AU PROJET ROYAUMONT Ariane Frejean-Passeron
AVEC Eve Bouchelot, Delphine Mothes, Hugues Rondepierre,
Victor Brécard
(en alternance avec Marion Jousseaume)
& la participation d’amateurs Madgalena Bukowiec, Frankie Rico Sanz (en cours)

Production Cie Empreintes.
Coproduction Théâtre Horizon Pyrénées, Ville De Muret – “Lieu Fabrique De La Danse”, Brive La Gaillarde.
Remerciements La Fondation Abbaye De Royaumont – La Place De La Danse, CDCN De Toulouse-Occitanie – Le Studio “Lieu Fabrique De La Danse”, Brive-La-Gaillarde – Théâtre Ville De Muret – C.C Henri Desbals, Toulouse.


HELP
Yoko Omori • JAPON

Yoko Omori part d’un constat : si seulement nos émotions pouvaient être comprises aussi clairement que celles des chiens ? Avec six interprètes incarnant ses propres pensées, elle confie ne pas pouvoir vivre sans dépendre de quelque chose ou de quelqu’un. Help donne à voir cet espace intime et décalé où elle se résout à « demander de l’aide ».

De formation classique, Yoko Omori pratique la danse contemporaine et le hip hop. Elle remporte le « Outstanding New Artist Prize » et le « Touch-point Art Foundation Award » au Yokohama Dance Collection en 2019, ainsi que le « Best Dancer Award » au Yokohama Dance Collection en 2021. Elle porte une attention particulière à la relation entre chorégraphie et la matière sonore qu’elle crée elle-même, explorant diverses combinaisons et textures.

CONCEPT, CHORÉGRAPHIE & CRÉATION SONORE Yoko Omori
AVEC Yoko Omori
& LES FIGURANTES Asahi Kohno, Kotoe Ikeda, Suzuka Ouchi, Honoka Tamura, Yoshika Yanagiya, Sakiho Yasuda

Soutien pour la venue à Paris The Saison Foundation – Maison de la Culture du Japon de Paris.


BOUFFÉES
Leïla Ka • FRANCE

Debout, immobiles, face au public, cinq femmes essuient leurs joues inondées de larmes. De quel chagrin sont-elles porteuses ? Leur appartient-il ? Avec Bouffées, Leïla Ka imagine comment panser « l’inguérissable » : l’accueillir afin de parvenir à le transformer en vecteur de puissance et en relance de vie.

Leïla Ka débute par les danses urbaines avant de les croiser avec d’autres influences puis est in- terprète pour Maguy Marin dans May B. Son premier solo Pode Ser en 2018 est suivi du duo C’est toi qu’on adore en 2020 et du solo Se faire la belle en 2022. Artiste associée au Théâtre de l’Étoile du Nord et au CENTQUATRE-PARIS, Leïla Ka est également en résidence à l’Espace 1789 à Saint-Ouen et accompagnée par le réseau Tremplin jusqu’en 2024. Elle crée actuellement une pièce pour 5 femmes, dont Danse élargie est une première étape.

CHORÉGRAPHIE Leïla Ka
AVEC Jennifer Dubreuil Houtemann, Jane Fournier Dumet, Leïla Ka, Zoé Lakhnati, Mathilde Roussin

Coproduction Espace 1789, Saint-Ouen – CENTQUATRE-PARIS.


D.I.S.C.O(DON’T INITIATE SOCIAL CONTACT WITH OTHERS)
Josépha Madoki • FRANCE

Josépha Madoki poursuit son exploration de l’esthétique waacking, « social dance » issue de la communauté gay afro et latino américaine des clubs underground de Los Angeles dans les années 1970. D’un côté liberté, folie et outrance, de l’autre restrictions sanitaires : avec D.I.S.C.O (Don't Initiate Social Contact with Others), huit danseurs et un DJ se réapproprient le dancefloor pour réimaginer le monde du clubbing post-covid.

Josépha Madoki, aka « Princess Madoki », mêle ses influences hip hop, afro et contemporaine. Elle fonde sa compagnie en 2010 et collabore en tant qu’interprète avec de nombreux chorégraphes tels que Damien Jalet, Wayne McGregor, Pierre Rigal, Ousmane Sy, Robyn Orlyn. En 2016, elle intègre la compagnie Eastman / Sidi Larbi Cherkaoui. Spécialiste du Waacking, elle cofonde le premier collectif de Waacking français Ma Dame Paris et crée en 2019 un festival à Paris, le All Europe Waacking Festival.

CHORÉGRAPHIE & DIRECTION ARTISTIQUE Josépha Madoki
STYLISTE Mario Faundez
CHARGÉ DE DIFFUSION Dirk Korell
CHARGÉE D’ADMINISTRATION Diane Guiéké
AVEC Rémi Bajramie (Aka Waabee), Daniela Barbierie (Aka Dani), Kevin Cortes, Suzanne Degenarro, Oumrata Konan, Kristina Kunn (Aka Krissy), Josépha Madoki (Aka Princess Madoki), Paul Moscoso (Aka Paul De Saint Paul) & Dj Naajet

Production Compagnie Madoki.
Coproduction La Villette-Paris – Espace 1789, Saint-Ouen – CCN de Créteil – DYPTIK.
Dans le cadre du réseau S.P.O.T : La Place, Centre de la danse Pierre Doussaint aux Mureaux, Communauté urbaine Grand Paris Seine et Oise (GPS&O).


CORE
Jerson Diasonama • FRANCE

Les corps bougent, rampent, se figent, s’appuient pour ne faire qu’un avec la scène. Sur les sonorités Techno et Afro batida de DJ Tyana, Jerson Diasonama met en résonance une pluralité de styles, de genres et d'identités. CORE est un voyage au cœur des sens, une expérience où chacun s’affranchit des limites physiques de l’espace.

Autodidacte, Jerson Diasonama développe une gestuelle instinctive, organique et brute. Sa sensibilité pour le mouvement au-delà des étiquettes l’a amené à collaborer avec divers chorégraphes de la scène hip hop et contemporaine. En 2017, il crée essens : corp/, un laboratoire d’expérimentation explorant l’esthétisme du mouvement et l’utilisation du corps par la danse, le son et l’image.

CONCEPT & CHORÉGRAPHIE Jerson Diasonama
IMAGE Quentin Pellier
STYLISME Lorenzo Priotto
AVEC Moussa Coulibaly, Jersondiasonama,Tiziana Ferraiuolo, Achille Genet, Othman Tihadi, Adrien Zehr & Dj Tyana

Remerciements Drapeau Noir, Chloé Le Nôtre, Saïdo Lehlouh, Ricardo Doua, Lydia Pilatrino au Pavillon ADC Genève, collectif FAIR-E / CCN de Rennes et de Bretagne.


UNE FAMILLE SINGULIÈRE
Claire Durand-Drouhin • FRANCE

Quel langage peut émaner des contraintes physiques et des « troubles du comportement » ? Dans Une famille singulière, la scène devient le lieu où se créent des familles recomposées de personnes qui a priori ne se rencontrent jamais. Claire Durand-Drouhin fait de la singularité de chacun une source de poésie aux variations insolites, entre violence et délicatesse.

Diplômée de la London Contemporary Dance School en 1998, Claire Durand-Drouhin intègre la compagnie de Philippe Saire à Lausanne et la compagnie de Jacky Auvray à Caen. De 2000 à 2009, elle accompagne Nieke Swennen au sein de la compagnie IN VIVO. Dès 2007 avec sa compagnie Traction, elle travaille dans les hôpitaux psychiatriques et en milieu carcéral. Elle crée en 2010 Chambre 10, en 2013 Vie de famille, en 2016 Who’s Bach ? et en 2018 Portrait de groupe avec femme(s).

CRÉATION & CHORÉGRAPHIE Claire Durand-Drouhin
MUSIQUE Meute
COMPOSITION MUSICALE Charles Amblard
AVEC Julius Bitterling, Alain Chaussat, Laure Desplan, Adalberto Fernandez-Torres, Aipeur Foundou, Inés Hernández, Delphine Lanson, Jyotsna Liyanaratne, Yann Pechaux, Shihya Peng, Jean-Pierre Rigondeau, Guillaume Suarez-Pazos

Remerciements Guy Delahaye, Philippe Cogney de la DSN, Thomas Desmaison du Théâtre du Cloître à Bellac, Voula Koxarakis et Isabelle Rouffaud des CCM de Limoges, Fred Hocké, Christophe Martin de Micadanses, Mourad Merzouki du CCN de Créteil, Éric Quilleré du Ballet de l’Opéra de Bordeaux, Jean-Louis
et Fréderic Durand-Drouhin des Saisons du Vieux Château, Géraldine Seguin, L'OARA, la DRAC et la région Nouvelle-Aquitaine, l’APEI, CH Esquirol Limoges.


BREAK
Bruce Chiefare • FRANCE

Jusqu’où peut résister la pratique du breakdance dans sa forme la plus traditionnelle ? Bruce Chiefare et quatre danseurs confrontent l’ADN du break avec un mouvement paradoxal : la lenteur. Pensé comme une respiration salutaire, à contre-courant de l’idéologie d’accélération de notre société, BREAK réimagine un style de danse et par là notre manière d’être au monde.

Initialement breaker au sein de différents collectifs (Freemindz ou Wanted Posse) puis interprète pour des compagnies (Ethadam, Traffic de style, Régis Obadia, Käfig...), Bruce Chiefare rejoint la compagnie Accrorap de Kader Attou. Au sein de sa compagnie Flowcus créée en 2017, il apporte un regard différent sur les danses urbaines et développe une écriture chorégraphique personnelle fondée sur le rapport à l’autre et l’improvisation, la recherche de la lenteur.

CHORÉGRAPHIE & MISE EN SCÈNE Bruce Chiefare
CRÉATION COSTUMES Stefani Gicquiaud
RÉGIE DE TOURNÉE Pauline Dorson
AVEC Bruce Chiefare, Mabrouk Gouicem, Phynox (Patrick Flégeo), Naoko Tozawa, Hugo De Vathaire

Production Compagnie Flowcus accompagnée par le bureau Les Sémillantes.
Coproduction L’Intervalle, scène de territoire pour la danse à Noyal-sur-Vilaine – Centre de la danse Pierre Doussaint aux Mureaux [En cours] – Auditorium de Seynod – Collectif FAIR-E / CCN de Rennes et de Bretagne – Chorège CDCN – Le Flow, centre eurorégional des cultures urbaines à Lille [En cours] – Le Triangle à Rennes – Danse à tous les étages – Coopération Itinéraires d’Artistes.
Soutien Tremplin, réseau interrégional Grand Ouest + Paris.


ROI MUSCLÉE
Louise Buléon Kayser • FRANCE

Expérience sensorielle post-apocalyptique, Roi musclée plonge dans un futur souterrain : alors que dehors les déchets deviennent compost sur les boulevards, une assemblée de personnes qui ont oublié leur genre se réunit régulièrement en secret. Contournant toute tentative de beauté, Louise Buléon Kayser opère un glissement entre les identités dans une chorégraphie trouble, au bord du vide.

Louise Buléon Kayser se forme en théâtre, danse contemporaine et chant lyrique aux conservatoires de Paris et en Body mind centering. Elle cofonde un collectif de création interdisciplinaire La Grosse Plateforme et co-crée Le Sacre par la Ville en Feu (finaliste Danse élargie 2016) et Les Planètes. En 2019, elle intègre le master danse de Charleroi Danse, La Cambre et l’INSAS. Elle est sensible aux thématiques de genre, des normes, du débordement et de l’occupation de l’espace public. Roi musclée est sa première création en solo.

CHORÉGRAPHIE & MISE EN SCÈNE Louise Buléon Kayser
ASSISTANTE À LA CHORÉGRAPHIE & MISE EN SCÈNE Allison Faye
CRÉÉ & INTERPRÉTÉ PAR Rim Cividino, Camille Da Silva, Alix Merle, Agnès Valovics, Livia Vincenti

Une création de La Grosse Plateforme.
Coproduction Charleroi Danse.


WHAT DID YOU DO BEHIND THE CURTAIN?
Stereo48 Dance Company / Abdallah Damra, Amir Sabra • PALESTINE

Comment la perte de capacités physique peut-elle se révéler pleine de potentialités ? Quelles possibilités naissent de la contrainte ? Au cœur de ce questionnement, le collectif Stereo48 développe un langage chorégraphique qui s’inspire de la langue des signes. Avec What did you do behind the curtain?, ils explorent de nouveaux moyens de communication où le mouvement devient vecteur de sens et d’expression intime.

Le collectif Stereo48 est fondé en 2013 par quatre danseurs à Naplouse. Ensemble, ils donnent des cours de hip hop dans des camps de réfugiés et des communautés marginalisées et encouragent les jeunes à exprimer leur voix à travers la danse. Aujourd’hui Stereo48 est devenu une compagnie de danse hip hop de 9 membres, qui tourne dans le monde entier.

CONCEPT & MUSIQUE Abdallah Damra
CHORÉGRAPHIE Amir Sabra
ASSISTANT CHORÉGRAPHIQUE Hamza Damra
AVEC Rima Baransi, Maria Dally, Abdallah Damra, Hamza Damra, Nasrallah Damra

Production Stereo48 Dance Company.
Partenaires Collectif FAIR-E / CCN de Rennes et de Bretagne.
Soutien pour la venue à Paris A.M. Qattan Foundation.


MER PLASTIQUE
Tidiani N’Diaye • FRANCE / MALI

Avec cette étape de travail de Mer plastique*, Tidiani N’Diaye imagine une composition aux couleurs éclatantes bien qu’inquiétantes, où une multitude de sacs plastiques viennent habiter la scène pour y prendre vie, danser et virevolter. À leur contact, les interprètes se muent et se transforment en formes hybrides, mi-humaines, mi- animales, mi-déchets.

Après une formation au Centre de danse de Bamako, Tidiani N’Diaye obtient en 2009 le premier prix pour sa pièce Être différent à l’Institut français de Bamako. En 2011 il intègre le CNDC d’Angers puis le master ex.e.r.ce au CCN de Montpellier en 2013. Il danse pour Gilles Jobin, Qudus Onikeku, Romeo Castellucci, Cindy Van Acker et Serge Aimé Coulibaly. Il crée le Festival international Bam à Bamako en 2018 et en 2021 le Festival BAM BAM BAM en France. Programmé dans le cadre de New Settings 2022-2023 avec Mer plastique, il est artiste résident aux Ateliers Médicis depuis 2020.

*CRÉATION LE 10 DÉCEMBRE 2022 – LE GRÜTLI, CENTRE DE PRODUCTION ET DIFFUSION DES ARTS VIVANTS DE GENÈVE.

DIRECTION ARTISTIQUE & CHORÉGRAPHIE Tidiani N’diaye
SCÉNOGRAPHIE & COSTUMES Silvia Romanelli
LUMIÈRES & DIRECTION TECHNIQUE Hugo Cahn
COLLABORATION ARTISTIQUE Fatou Traoré
DRAMATURGIE & ACCOMPAGNEMENT ARTISTIQUE Arthur Eskenazi
AVEC Cassandre Munoz, Tidiani N'diaye, Aicha Ouattara, Souleimane Sanogo, Andrea Semo

Production SHAP SHAP/Copier Coller avec la Fondation d’entreprise Hermès dans le cadre de son programme New Settings. COPRODUCTION Le Grütli Centre de production et de diffusion des Arts vivants – CDCN Toulouse – CDCN Atelier de Paris – Atelier Médicis Paris – TU Nantes – CNDC d’Angers.
Aide à la création Ville de Nantes – département Loire Atlantique – DRAC Pays de Loire.
Remerciements Honolulu Nantes – TU Nantes.


MEEPAO
Surjit Nongmeikapam • INDE

Surjit Nongmeikapam célèbre ici l’espoir et la résilience. Meepao est un hommage à toutes les âmes défuntes, celles qui ont su apprécier la vie et trouver de la joie dans le chaos. Dans des mouvements ritualisés inspirés des arts martiaux, le corps des danseurs transcende le monde vécu pour célébrer et danser à l’unisson avec les esprits.

Surjit Nongmeikapam vit et travaille à Imphal dans le Manipur, à l’extrême nord-est de l’Inde. Formé aux danses traditionnelles indiennes, il se tourne vers les arts interdisciplinaires et les œuvres expérimentales. Il est primé deux fois pour Nerves (2014) et Folktale (2016) au concours PECDA en Inde. Aujourd’hui directeur artistique de la Nachom Arts Foundation, il est l’un des seuls chorégraphes à s’engager pour le développement d’une communauté de danse contemporaine au Manipur. Il conçoit son travail comme processus de guérison.

CONCEPT & CHORÉGRAPHIE Surjit Nongmeikapam (Bonbon)
MUSIQUE LIVE Heisnam Shantanu Singh
COSTUMES Purnima Yengkokpam
DIRECTEUR DE RÉPÉTITION Joshua Sailo
RESPONSABLE DE PRODUCTION Suresh Kiran Singh Khundrakpam (Tomba)
AVEC Swavinath Sharma Aribam, Surjit Nongmeikapam, Sumeet Sagolshem, Joshua Sailo, Hemjit Meitei Senjam, Luckyson Singh Yanglem, Purnima Yengkokpam

Soutien pour la venue à Paris Fondation BNP Paribas – Institut français en Inde – Prakriti Foundation, Chennai – Kolkata Centre for Creativity – Shoonya, Centre for Art and Somatic Practices (Bangalore).


LA PREMIÈRE DANSE POLITIQUE
Josué Mugisha • BURUNDI

Josué Mugisha imagine un acte de soulèvement contre la crise de la « parole » au Burundi. La Première Danse politique est un appel collectif à se réconcilier avec sa propre histoire, à redéfinir le sens de l’identité et à s’interroger sur sa place dans le monde. À une époque où l’on perd les mots, il convoque la danse, la musique et la poésie pour un travail de guérison.

Metteur en scène et chorégraphe, Josué Mugisha vit à Bujumbura au Burundi. Il est le directeur artistique de la compagnie Les Enfoirés de SaNoLaDante. La virtuosité du corps constitue un élément fondamental de son écriture scénique. À partir de textes, d’images conceptuelles et de mouvements purs, ses créations mêlent de multiples formes d’expression et proposent une esthétique qui ouvre des univers infinis au spectateur. Invitant chacun à exprimer sa singularité, il ne cesse de questionner la nature humaine.

CONCEPT & CHORÉGRAPHIE Josué Mugisha
CHARGÉE DE PRODUCTION Claudia Munyengabe
AVEC Florette Gateka, Lyna Milka Noella Irakoze, Josué Mugisha, Aimé Martial Ntungane

Coproduction EANT festival – Buja Sans Tabou.
Soutien pour la venue à Paris et l’accueil en résidence en Suisse Coopération Suisse du Burundi – Institut français du Burundi.
Remerciements Wesley Ruzibiza, Freddy Sabimbona, Serge Aimé Coulibaly, Lisa Rendetzki, Gábor Varga, Karine Grasset, Anne-Christine Liske.


MIREILLE
Collectif ÈS • FRANCE

Dérivée de FIASCO, Mireille tente 11 (re)lectures de La Marseillaise par 11 interprètes qui mettent en corps le sens et le poids des mots. Avec ce ballet patriotique et sarcastique poussant à son paroxysme la mise en ordre du groupe, le collectif ÈS forme et déforme les contraintes du chœur pour confronter le collectif à un héritage commun.

Le collectif ÈS réunit Émilie Szikora, Jérémy Martinez et Sidonie Duret. Concevant la création comme fabrique collective, ils explorent avec dérision la question de l’intime et du commun. Ils mettent au cœur de leur projet le partage par l’engagement du corps et l’action. Depuis 2011, ils cosignent une dizaine de pièces dont Série Populaire en trois épisodes (I wanna dance with somebody, Le Karaodance et Loto3000) et FIASCO qui utilise la discorde et la dissonance comme processus créatif sur fond de punk et hymnes nationaux.

CONCEPTION & DIRECTION Collectif ÈS – Sidonie Duret, Jérémy Martinez & Émilie Szikora
RÉGIE SON Orane Duclos
CRÉÉ & INTERPRÉTÉ PAR Julien Fouche, Marie-Françoise Garcia, Martin Gil, Julie Laventure, Élisa Manke, Aurélien Mouafo, Julien Raso, Lucien Reynes, Émilie Szikora, Joan Vercoutere, Chloé Zamboni

Coproduction (FIASCO) : Collectif FAIR-E / CCN de Rennes et de Bretagne – Comédie de Clermont-Ferrand, Scène nationale – La Rampe, La Ponatière, Echirolles – Maison de la Danse de Lyon – CCN Ballet de Lorraine – Espace 1789, Saint- Ouen – Théâtre Molière-Sète, scène nationale archipel de Thau – Le Vellein, scènes de la CAPI Isère – CCN2 de Grenoble – Le Rive Gauche, Saint-Étienne du Rouvray.
Soutien Mécénat de la Caisse des Dépôts.
Remerciements Collectif FAiR-E / CCN de Rennes et de Bretagne.


HAIRY
Dovydas Strimaitis • FRANCE / LITUANIE

Comment contrôler l’incontrôlable ? Pièce pour trois danseurs et leurs cheveux, Hairy offre une expérience visuelle et chorégraphique minimaliste, pensée pour une des rares parties du corps que l’on ne peut bouger volontairement. Une confrontation entre les cheveux lâchés, symbole de liberté et d’insouciance, et la danse, art de la maîtrise.

Danseur et chorégraphe lituanien, Dovydas Strimaitis vit et travaille à Marseille. En 2019, il rejoint le Ballet national de Marseille – direction (LA)HORDE, où il travaille avec Lucinda Childs, Lasseindra Ninja, Tânia Carvalho, Oona Doherty et Alexandre Roccoli entre autres. Sa pièce de fin d’études à Codarts Still Waiting (2018) est jouée au Theater Rotterdam et au Korzo à La Haye. En 2020, il présente Insula, une collaboration avec la chorégraphe estonienne Maarja Tõnisson à MANIFESTA 13 à Marseille et crée en 2021 le solo The Art of Making Dances à Vilnius.

CHORÉGRAPHIE Dovydas Strimaitis
CRÉATION LUMIÈRES Lisa M. Barry
MUSIQUE Julijona Biveinyte
CONSEIL COSTUMES Salomé Poloudenny
AVEC Benoit Couchot, Hanna-May Porlon, Dovydas Strimaitis

LE PRÉLUDE DE LA SUITE POUR VIOLONCELLE N° 4 DE BACH, JOUÉ PAR YO-YO MA, EST UTILISÉ DANS LA PIÈCE.

Soutien Lithuanian Dance Information Center – Ballet national de Marseille - direction (LA)HORDE – Théâtre de Vanves.


A BIG BIG ROOM FULL OF EVERYBODY’S HOPE
Amit Noy • NOUVELLE-ZÉLANDE

Créé par trois générations d'une même famille, A Big Big Room Full of Everybody’s Hope est un spectacle de variétés et une shiva (veillée) en trois actes. Une grand-mère, un jeune homme et une adolescente s’interrogent sur les séquelles de l’Holocauste, réimaginent le ballet 'Agon' de George Balanchine et interprètent une chanson pour l’avenir quand celui-ci se vit avec des TOC. Comment apprendre à vivre avec les choses qui nous hantent ?

Amit Noy travaille à Aotearoa (nom Maori de la Nouvelle-Zélande). Ses ancêtres viennent d’Israël/ Palestine mais vivent en Argentine, Mexique, Pologne et Hawaï. Amit Noy danse pour Michael Keegan-Dolan/Teac Damsa et la New Zealand Dance Company. Son travail a été présenté et sou- tenu par Performance Space (Sydney), le Basement Theatre (Tamaki Makaurau) et le Toi Poneke Arts Center (Te Whanganui a Tara). Il crée actuellement une série de spectacles avec sa famille. En hébreu, Amit signifie « bon ami ».

CONCEPT & SCÉNARIO Amit Noy
COMPOSITION & PAROLES DE LA CHANSON POUR L’AVENIR Amit & Maytal Noy
MUSIQUE Amit & Maytal Noy, Igor Stravinsky, Rodgers & Hammerstein
CRÉÉ & INTERPRÉTÉ PAR Amit Noy, Maytal Noy, Ilan Noy, Liora Noy
AVEC EN VIDÉO Belina Neuberger

Remerciements Jo Randerson, Liora Noy, Ilan Noy, Shawbrook Arts Centre, the Basement Theatre et Toi Poneke Arts Centre.


MULTI-PRISES
Yasmine Hadj Ali, Antoine Kobi, Ike Zacsongo Joseph • FRANCE

Devenir groupe, est-ce nécessairement renoncer à soi ou devenir une entité augmentée ? Avec Multi-prises, le trio formé par Yasmine Hadj Ali, Antoine Kobi et Ike Zacsongo Joseph crée un espace où jouer le jeu et questionner son rapport à l’Autre, son identité et ses désirs. Dans cette quête d’être ensemble, et donc d’être, les corps s’expriment dans toute leur complexité, fantaisie et singularité.

Yasmine Hadj Ali débute par la danse et le cirque avant de découvrir le chant lyrique et le théâtre par le mime corporel. Formée au CRR93, elle intègre la promotion de la MC93 puis le Conservatoire national supérieur d’Art dramatique de Paris (CNSAD) en 2019. Antoine Kobi suit le même parcours après une licence STAPS. Il joue dans plusieurs courts-métrages et crée sa première pièce Le Début de la nuit dans le cadre du festival des cartes blanches au CNSAD. Inscrit à l’EICAR, Ike Zacsongo Joseph se forme dans tous les arts de la scène et du cinéma. Il pratique aussi le basket, l’escrime, la danse, le piano, le solfège et compose ses propres musiques. Multi-prises est la première création du trio qui s’est rencontré au cours de leurs études au CNSAD.

CRÉATION CHORÉGRAPHIQUE, PERFORMANCE & CRÉATION SONORE Yasmine Hadj Ali, Antoine Kobi, Ike Zacsongo Joseph
MUSIQUE Brazil de Luke Abbott


KLAPPING
KlappSquad – Ahilan Ratnamohan, Feras Shaheen • BELGIQUE / AUSTRALIE

En 2017, Feras the Shield (aka Feras Shaheen) et Maestro Ahil (aka Ahilan Ratnamohan) créent le mouvement Klapping sur les terrains de football de la banlieue de Sydney : une nouvelle danse urbaine est née. Sur le béton, à la lueur des lampadaires, entre les poteaux des cages de but, le Klapping puise dans la gestuelle du football, et rassemble au fil des années et des voyages une communauté de Klappers à travers le monde.

Né de parents d’origine palestinienne à Dubaï, Feras Shaheen vit et travaille à Sydney. Il puise tant dans sa pratique de danses urbaines que dans les danses traditionnelles palestiniennes pour développer sa pratique pluridisciplinaire. Après avoir tenté de devenir footballeur profes- sionnel, Ahilan Ratnamohan développe des projets socio-artistiques. Basé en Belgique depuis 2013, il explore le potentiel culturel et chorégraphique du football et collabore avec des sportifs et athlètes-performeurs.

CONCEPT Ahilan Ratnamohan, Feras Shaheen
CHORÉGRAPHIE Feras Shaheen
CRÉATION PLATEAU Tom Kentta, Rabina Miya Khatun
DRAMATURGIE/PRODUCTION Ahilan Ratnamohan
AVEC Lewis Dubbery, Tom Kentta, Lisa Maes, Rabina Miya Khatun, Mahy Nambiar, Feras Shaheen, Kyra White

Production Kaat Balfoort, ROBIN VZW.
Soutien pour la venue à Paris Ambassade d’Australie à Paris, dans le cadre du programme Australia now.